Institutional Homophobia and Unclaimed Queer Trauma in Orange Is the New Black: A Multimodal Analysis through Butler’s Performativity and Caruth’s Trauma Theory
Cette étude emploie une analyse multimodale de dix épisodes d'*Orange Is the New Black*, utilisant la performativité de Judith Butler et la théorie du traumatisme de Cathy Caruth pour révéler comment la série dépeint l'interconnexion entre l'homophobie institutionnelle, la violence carcérale et le traumatisme queer non revendiqué, tout en mettant en lumière à la fois l'abus systémique et la résistance queer.
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La télévision a longtemps été un miroir de la société, nous renvoyant nos propres histoires, mais elle possède également le pouvoir de façonner notre compréhension des recoins cachés de l'expérience humaine. Ces dernières années, les plateformes de streaming ont amené plus de personnages LGBTQ+ dans les salons que jamais auparavant, pourtant beaucoup de ces récits se concentrent sur la romance ou l'identité individuelle, omettant souvent les réalités systémiques plus lourdes de la manière dont les institutions traitent les personnes queer. Cela est particulièrement vrai au sein du système carcéral, où les règles sont rigides et les conséquences de leur transgression sont sévères. Pour comprendre comment ces systèmes fonctionnent, les chercheurs s'appuient sur deux idées spécifiques. La première est le concept selon lequel le genre n'est pas quelque chose avec lequel nous naissons, mais plutôt un ensemble d'actions et de comportements que nous répétons pour nous conformer aux attentes de la société ; lorsque quelqu'un ne correspond pas au moule standard, le système tente souvent de le contraindre à la conformité ou de le punir pour sa différence. La seconde idée est que le traumatisme n'est pas toujours un événement unique dont on peut parler facilement immédiatement après qu'il soit survenu ; au contraire, il peut s'agir d'une expérience trop accablante pour être traitée sur le moment, revenant plus tard sous forme de fragments, de flashbacks ou de silences, laissant une marque qui est ressentie mais pas pleinement revendiquée ou comprise.
Une équipe de chercheurs de l'Université de l'Institut de Technologie de Vellore s'est donné pour mission d'étudier comment la célèbre série télévisée Orange Is the New Black traite ces thèmes complexes. La série, qui a duré sept saisons, est unique car elle place un large casting de personnages lesbiens, bisexuels et transgenres à l'intérieur d'une prison pour femmes aux États-Unis, offrant un regard rare sur les luttes quotidiennes des personnes queer au sein d'une institution totale. Les chercheurs voulaient aller au-delà de simples résumés d'intrigue pour comprendre comment la série utilise les techniques visuelles et sonores pour raconter l'histoire de la violence institutionnelle et de la douleur psychologique. Ils ont sélectionné dix épisodes spécifiques à travers la série, en se concentrant sur des personnages clés comme Sophia Burset, une femme transgenre ; Big Boo, une lesbienne butch ; Poussey Washington, une lesbienne noire ; et Piper Chapman. En visionnant ces épisodes à plusieurs reprises, l'équipe a analysé tout, des angles de caméra et de l'éclairage jusqu'au silence entre les mots et la manière spécifique dont les personnages bougeaient ou parlaient. Ils cherchaient des schémas dans la façon dont la série dépeignait la lutte pour maintenir son identité contre un système conçu pour l'effacer.
L'analyse a révélé que la série dépeint cinq thèmes principaux qui définissent l'expérience queer en prison : la violence institutionnelle, les abus médicaux et psychologiques, l'homophobie à base religieuse, la régulation de l'expression de genre et les stratégies que les personnages utilisent pour faire face et résister. Les chercheurs ont constaté que la série ne se contente pas de nous dire que ces choses arrivent ; elle nous montre comment elles sont ressenties à travers le langage du cinéma. Par exemple, lorsqu'un personnage est placé en isolement cellulaire, la caméra utilise souvent un cadrage serré et exigu ainsi qu'un éclairage froid et dur pour faire ressentir au spectateur l'isolement et la perte d'humanité. Dans une scène impliquant le personnage de Sophia Burset, la conception sonore tombe vers un bourdonnement presque silencieux, accentuant la cruauté administrative de lui refuser des soins médicaux. Ces choix visuels suggèrent que le système carcéral traite les corps queer comme « unintelligibles » — c'est-à-dire que le système ne peut pas les reconnaître ou les accepter comme valides, de sorte qu'il tente de les contrôler ou de les effacer.
L'étude a également souligné la nature différée du traumatisme telle qu'elle est dépeinte dans la série. Lorsqu'un personnage vit un événement choquant, tel que la mort d'une autre détenue lors d'une protestation, la série ne montre pas toujours un deuil immédiat. Au lieu de cela, elle utilise des flashbacks, des souvenirs fragmentés et des moments de silence pour montrer que la douleur est encore en cours de traitement, revenant plus tard de manières qui perturbent le sentiment de soi du personnage. Cela rejoint l'idée que le traumatisme est une « expérience non revendiquée », quelque chose qui arrive mais qui ne peut être pleinement possédée ou comprise que bien plus tard. Les chercheurs ont noté que la série contraste souvent ces moments de douleur avec des scènes de résistance. Lorsque les personnages se rassemblent, se tenant la main ou scandant à l'unisson, l'éclairage passe à des tons plus chauds et la caméra recule pour montrer un espace plus large et plus ouvert. Ce changement visuel suggère que, bien que le système tente de les briser, les personnages trouvent un moyen de survivre en créant un sentiment partagé de communauté et d'agence.
L'une des découvertes les plus significatives est la manière dont la série dépeint la régulation du genre. Les personnages qui ne se conforment pas aux rôles traditionnels masculins ou féminins, tels que ceux qui refusent de porter les uniformes de prison féminins ou qui affirment leur identité à travers leur posture et leur élocution, sont souvent présentés comme des sites de conflit. Les chercheurs ont observé que la série utilise ces moments pour démontrer que le système carcéral impose un ensemble strict de règles sur la façon dont les corps doivent paraître et agir. Lorsqu'un personnage comme Big Boo refuse de jouer selon ces règles, sa défiance est cadrée non pas seulement comme une rébellion personnelle, mais comme un acte politique qui défie le fondement même du contrôle de la prison. L'étude suggère que la série illustre avec succès comment les individus queer naviguent dans ces structures oppressives, trouvant des moyens de maintenir leur dignité et leur identité même quand le système est conçu pour les leur arracher.
Cependant, les chercheurs veillent à noter les limites de leur travail. Parce que l'étude n'a examiné que dix épisodes et reposait sur l'interprétation des chercheurs eux-mêmes, elle ne peut prétendre avoir trouvé toutes les vérités possibles sur la série ou sur les expériences réelles des personnes LGBTQ+ incarcérées. L'analyse n'incluait pas d'entretiens avec de véritables prisonniers ni de données sur la réaction des publics à ces scènes, elle reste donc une étude du texte lui-même plutôt qu'un compte rendu complet de la réalité. Les auteurs suggèrent que des recherches futures pourraient explorer comment les spectateurs interprètent ces histoires ou comparer cette série avec d'autres drames carcéraux pour voir comment différentes cultures traitent ces thèmes. Malgré ces limites, l'étude offre un regard clair et détaillé sur la façon dont une série télévisée populaire peut rendre visibles les mécanismes invisibles de la violence institutionnelle. Elle montre qu'en prêtant attention aux petits détails d'une scène — la lumière, le son, le silence — nous pouvons comprendre l'impact psychologique profond de vivre dans un système qui refuse de vous voir pour ce que vous êtes.
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